Te Deum for mixed choir a cappella by Dmytro Stetsiuk in the context of Ukrainian religious music

The purpose of the article is the insert to the scientific research the complete analysis of masterpiece by known Ukrainian composer Dmytro Stetsiuk Te Deum for mixed choir a capella and draw the attention of the choir conductors, who would like to insert to their music collectives a masterpiece, written in the tendencies of modern music and that can be performed either in the liturgy or in concerts. The methodology of the exploration is based on the combination of the general scientific (historical and comparative) and special musicological( of the genre, general and the dramaturgical-intonational analysis), that gives the opportunity to regard the historical basics of the Catholic liturgic tradition, and from another side-see the ways of its development and renovation. Scientific Novelty. The research is the first analysis of Te Deum for the mixed choir in the context of the modern tendencies of Ukrainian composers. Conclusions. The analysis of Te Deum for the mixed choir a capeella by Dmytro Stetsiuk in the context of religious music and in the sphere of the creative search of the modern Ukrainian composers proves the fact, that this masterpiece is written in the liturgic tradition and develops it in the intonational side. Componist completely uses the canonic text, but gives his own regard for it, also understanding of the main idea. The traditional melody of Te Deum from one side gives the unity of the composition, from another gives the basics for the modern stylization, because of intonation, voice tembre (the unity of the different groups of the choir), harmonical, factual (harmony and polyphony). This way are revealed individual traits of the composer and also the modern regard on the medieval liturgic text. The exploration of the masterpiece`s score gives the reason to be sure, that it is not only in the liturgical tradition, but also can be performed in the concert hall.

Vom "revolutionären Te Deum" zur "Marseiller Hymne der Reformation"

Die kommunikative Funktion und die daraus resultierende kulturhistorische Relevanz musikalischer Zitate werden anhand politischer und religiöser Liedzitate in Intrumentalwerken des 19. Jahrhunderts näher beleuchtet. Nach einer systematischen Annäherung an Begriff und Phänomen des Zitats in der Musik wird im historischen Hauptteil zunächst den Ursachen für die starke Zunahme von Zitaten im frühen 19. Jahrhundert nachgegangen. Sodann werden am Beispiel von Mendelssohns "Reformationssymphonie" und anderen Werken, die den Luther-Choral "Ein feste Burg ist unser Gott" zitieren, die Bedeutungsvielfalt und auch das strukturelle Innovationspotenzial von Zitaten in der Instrumentalmusik aufgezeigt. Ausgehend von den bei diesen Werken aufgetretenen Rezeptionsproblemen wird abschließend erörtert, weshalb Instrumentalwerke mit religiösen und politischen Liedzitaten schon im 19. Jahrhundert an die Peripherie des Musikdiskurses gerieten und auch in der Forschung bislang eher geringe Beachtung fanden.

Festmusiken zu Frankfurter Kaiserwahlen und Krönungen des 17. und 18. Jahrhunderts

Durch die Auswertung bisher unbeachteter Quellen, wie z. B. Krönungsdiarien, Furier- und Futterzetteln und Wahl- und Krönungsakten in kurfürstlichen Archiven werden die musikalischen Abläufe der Frankfurter Kaiserkrönungen des 17. und 18. Jahrhunderts dargestellt. Neue Erkenntnisse ergeben sich dabei für die Liturgie der Kaiserkrönung, dem Personalbestand der Hofkapellen der Kurfürsten von Dresden, Trier, Köln und Mainz in den Jahren 1612 und 1619 sowie für die Biographien von Johann Caspar von Kerll, Antonio Bertali, Jan Zach, Ditters von Dittersdorf und Johann Walther. Verzeichnet werden auch alle zur Zeit bekannten Krönungsmessen, Motetten und Te Deum- Kompositionen zu Frankfurter Kaiserkrönungen.

STYLISTIC ANALYSIS OF TE DEUM LAUDAMUS

The aim of this essay is to do a stylistic analysis on Te Deum Laudamus. Stylistic techniques and methods are employed for this task under the aspects of syntactic semantic, phonological and graphological patterns. Effects of linguistic foregrounding are also highlighted in the paper. The analysis revealed that the poet made use of stylistic and linguistic tools not only to deepen his message but also to make it effective and aesthetic. <p> </p><p><strong> Article visualizations:</strong></p><p><img src="/-counters-/edu_01/0865/a.php" alt="Hit counter" /></p>

El Te Deum Evangélico en Chile, cuando la legitimidad religiosa y política es mutua

Resumen Este artículo busca dilucidar los intereses tanto de los actores políticos como de los agentes religiosos que han hecho posible que el Te Deum Evangélico sea parte de la cultura religiosa y política en Chile. Mediante un examen socio histórico se explica cómo los Te Deum evangélicos en Chile se convirtieron en el símbolo de la salida de cristianos no católicos a la participación política y fueron canal de legitimación y elevación de estatus de una minoría religiosa. Desde lo metodológico, el abordaje fue a partir del nuevo rol de los evangélicos a nivel público y nacional, analizado desde dos perspectivas teóricas: la desprivatización de las religiones en el mundo moderno de José Casanova y la teoría de campo religioso de Pierre Bourdieu. La primera parte, se refiere a la evolución histórico-social de los evangélicos en Chile como una minoría “invisible”; la segunda, demuestra el acercamiento entre los evangélicos y el gobierno de Pinochet a través de los Te Deum; en la tercera, se examinan las relaciones entre los organizadores de los Te Deum y como este fue legitimado por los gobiernos democráticos. Para acceder a la versión de distintos actores entre 1973-1991 acudimos a fuentes primarias como las publicaciones de la prensa escrita, visual, revista especializadas, documentos y libros.

1871‒1877

By now widely recognized as England’s leading composer, Arthur Sullivan devoted the first half of the 1870s to sacred works, including a massive Te Deum to celebrate the recovery of the Prince of Wales from typhoid fever (1872), his most significant oratorio, The Light of the World (1873), forty-two original hymn tunes and seventy-five hymn tune arrangements and numerous sacred songs and ballads. The Light of the World broke significant new ground by dispensing with a narrator and for the first time in English oratorio making Jesus a real character who appeared and sang and interacted with other characters. As well as acting as editor for a major Anglican hymnal, Church Hymns and Tunes (1874), Sullivan wrote numerous hymn tunes, including the ever-popular ST GERTRUDE for ‘Onward, Christian soldiers’ and NOEL for ‘It came upon the midnight clear’. He may also have had a hand in ST CLEMENT for ‘The day, Thou gavest, Lord, is ended’. In 1877, sitting at the bedside of his dying brother, he wrote the tune for his sacred ballad, ‘The Lost Chord’ which became the best-selling song of the last quarter of the nineteenth century.

The 1890s

Arthur Sullivan’s final decade was overshadowed by increasing and debilitating ill health and growing criticism of the light-weight nature of his work by critics associated with the English Musical Renaissance centred around two younger composers, C.H. Parry and C.V. Stanford. Sullivan did at last produce the grand opera, Ivanhoe (1891), which he had wanted to write for so long. He also continued to write comic operas for the Savoy Theatre, most of them with librettists other than Gilbert. He wrote a ballet and a hymn tune for Queen Victoria’s Diamond Jubilee, set a patriotic song by Rudyard Kipling to raise funds for the families of troops serving in the Boer War, and wrote a Te Deum to be used when that war ended. He died in 1900, mourned and remembered as much as a church musician and for his sacred works as for his comic operas.

Na pograniczu liturgii i ceremonii. W poszukiwaniu specyfiki muzycznego opracowania hymnu Te Deum w twórczości Józefa Elsnera

Opublikowane w 1815 r. i zadedykowane carowi Aleksandrowi I Te Deum Józefa Elsnera ilustruje nurt opracowań tekstów religijnych, których funkcję rozpatrywać można zarówno w kontekście liturgicznych celebracji, jak i świeckich ceremonii. Kompozycja ta wpisuje się z jednej strony w bogate tradycje muzyki kościelnej Śląska, z którą kompozytor był związany z racji urodzenia i wykształcenia, z drugiej natomiast odzwierciedla stan rozwoju XIX-wiecznej kultury muzycznej w Polsce, z którą związał większą część swojego życia. Analizowana kompozycja, przeznaczona na głosy solowe, chór mieszany oraz orkiestrę, składająca się z pięciu skontrastowanych części, stylistycznie utrzymana jest w nurcie twórczości religijnej charakterystycznej dla terenów Europy Środkowej przełomu XVIII i XIX stulecia, które zaobserwować możemy także winnych dziełach Elsnera.