A presença da “religião” na literatura: uma questão de participação estética?

Perguntando pelo estatuto da “religião” quando sua transparência se torna inequívoca na tessitura dos textos literários, este ensaio pretende ser uma contribuição ao campo de estudos que toma as relações entre religião e literatura como sua principal tarefa. Seguindo algumas provocações de Susan Sontag (2020) e após evocar, principalmente, o pensamento de Gérard Genette (2010), propomos, mesmo que de modo provisório e operacional, a noção de participação estética da religião como material artístico-literário. Com a finalidade de oferecer ilustrações acerca dessa possível função realizada pela “religião” quando presente nas criações literárias, empregamos três escritos de Woody Allen reunidos sob o título The Scrolls, que estão coligidos em Without Feathers (1975). Tais ilustrações são apresentadas com aportes teóricos provenientes de Gérard Genette (1982) e Dominique Maingueneau (2009).

Vision and Decision

The rhetorical formula ‘law and literature’ places law before literature while the usually conjunctive ‘and’ connotes hierarchy and disjunction rather than equality and encounter. The concept of jurisliterature provides a lexical and theoretical remedy for such alienation and non-recognition. In the era of imaginal law and the politicization of common law practices through viral relay and online video presence the spectacle of governance becomes the governance of spectacles. Vision increasingly determines decision. Using the example of a recent four-part documentary trial, Woody Allen v Mia Farrow, this article examines the stakes of imaginal law, and the consequences of a juridism set free from the archive.

Do efeito de unheimlich à rememoração: o percurso narrativo da personagem Marion Post no filme A outra (1988), de Woody Allen

Nossa análise demonstra como se desenvolve o percurso narrativo da personagem – dos efeitos de unheimlich sentidos pela protagonista Marion Post até à rememoração do seu passado –, cuja força a faz sair de seu enclausuramento narcísico no tempo presente e, assim, proporciona a ela novas possibilidades para o futuro. Nessa perspectiva, tomamos como ponto de ancoragem teórica a psicanálise, com Freud (2019), e o conceito de rememoração da filosofia da história de Walter Benjamin, tal como explica a filósofa Jeanne Marie Gagnebin (2014). Ao vincular os pensamentos de Benjamin e Freud, a autora enfatiza a relação da memória com as reflexões sobre a narração e sobre a “escrita da história”, seja ela uma história autobiográfica ou uma história coletiva. Através da narrativa fílmica, o diretor Woody Allen elabora novas formas de narrar os conflitos e os sofrimentos do sujeito moderno ao explorar os moldes clássicos do cinema hollywoodiano, como o melodrama, e de estratégias narrativas já bem aceitas pela cultura de massa, como o fantástico e a metaficção. Deste modo, o diretor atualiza esses recursos de forma crítica e criativa, transformando-os em produtos da cultura contemporânea com alta relevância estética, diferindo-os, assim, da maioria dos filmes comerciais da indústria hollywoodiana.

La rueda de la maravilla y el deseo inalcanzable del Sueño Americano

El Sueño Americano es un concepto central en el discurso de la identidad del pueblo estadounidense, desde su constitución como país hasta la actualidad. En términos generales, consiste en trabajar arduamente y progresar hasta lograr el éxito, pudiendo ser alcanzado por todos sus habitantes. Para Chomsky (2017) estamos asistiendo al réquiem de ese sueño, supuestamente igualitario y justo, debido a la creciente degradación democrática y concentración de la riqueza, que otorga mayor poder político a los ricos. El objetivo de nuestro trabajo es abordar esta temática desde las representaciones de La rueda de la maravilla (Woody Allen, 2017) un film que combina drama y tragedia con una puesta en escena en la que lo cinematográfico se une con lo teatral. Ambientada durante la década del ´50 -en que el crecimiento económico y el consumismo parecían asegurar esa movilidad social para todos los ciudadanos- y situada en Coney Island, centro turístico situado al sur de Brooklyn, símbolo de un esplendor ya decadente en esos años. La historia se centra en una pareja que trabaja en el parque de diversiones, Humpty (James Beluschi) manejando el carrusel, y Ginny ( Kate Winslet ) mesera en un restaurante de almejas. La acción es narrada por el guardavida de la playa, Mickey (Justin Timberlake) que mantiene una relación amorosa con Ginny, hasta que se enamora de la hija de Humpty, Caroline (Juno Temple) quien viene a Coney Island huyendo de la mafia. A través de estos personajes insatisfechos emocionalmente, el texto fílmico condensa a aquellos norteamericanos que han quedado fuera del sueño americano, dejando en claro que se trata de un mito inspirador más que de una realidad.

Kierkegaard y Woody Allen: El humor como condición ética del devenir existencial del individuo

En el presente trabajo se analiza el humor como condición ética para la forma de ser y de pensar del devenir existencial del individuo, desde la concepción de Kierkegaard a la forma de la filosofía cinemática de los films de Woody Allen. El devenir existencial en Kierkegaard no se deriva o reduce a la lógica de una dialéctica o de las condiciones naturales, sino que depende esencialmente de la elección de sí mismo, como vínculo entre lo que se ha sido y lo que está por venir, lo cual constituye lo ético. Esta contradicción específica es el humor, como la tensión de lo trágico y lo cómico en la existencia, y en el pensador subjetivo de Kierkegaard, para el cual lo trágico se da cuando las pretensiones infinitas no se delimitan en la contradicción específica de la existencia individual y lo cómico se da como una relativización de las mismas, de este modo el devenir se realiza cuando en lo trágico hay un equilibrio cómico, y en lo cómico se denota el patetismo de lo trágico, dando lugar a esa condición de apertura constante de posibilidades nuevas, que permite plantearse la elección de sí mismo, como querer creer que es posible de nuevo un lazo de sentido a pesar del sinsentido de los hechos. Precisamente, la motivación de los films de Woody Allen filosóficamente, tienen que ver con esta cuestión en forma de pregunta, que se desarrolla, en general, en su obra fílmica, como la maduración de un humor, donde tragedia y comedia se relacionan recíprocamente, lo cual permite pensar subjetivamente-existencialmente como lo ha planteado Kierkegaard. En particular se analiza el planteamiento en el film de Woody Allen Melinda and Melinda del año 2004.

La Visión trágica de la vida. Una intersección clave entre la filosofía de Friedrich Nietzsche y la filmografía de Woody Allen

La filmografía de Woody Allen ha sido ampliamente analizada desde la óptica del ámbito de la filosofía. Estas investigaciones hacen un análisis holístico en el que relacionan cuestiones amplias como cultura de masas, política, psicoanálisis, muerte o sexualidad, con el cine del director neoyorquino. En muchos de estos estudios aparece, como es lógico, la figura de Nietzsche, pues es uno de los pensadores con más repercusión en la cultura occidental a lo largo del siglo XX. Sin embargo, el carácter holístico de estas investigacones impiden la realización de un análisis más exhaustivo de las posibles relaciones entre filósofo y cineasta. Este artículo pretende cubrir este vacío, centrándose en uno de los puntos clave en el pensamiento de Nietzsche y la filmografía de Allen: la visión trágica de la vida, fraguada a partir de el azar-suerte y el devenir-muerte, dos conceptos clave tanto para el cineasta como para el filósofo.

Funny feelings: taking love to the cinema with Woody Allen

This dissertation utilizes the films of Woody Allen in order to position the cinema as a site where realizing and practicing an embodied experience of love is possible. This dissertation challenges pessimistic readings of Woody Allen’s film that render love difficult, if not impossible. By challenging assumptions about love, this dissertation opens a dialogue not only about the representation of love, but the understanding of love. Rather than a Platonic love of unity, this dissertation combines the phenomenological work of Luce Irigaray and Jean-Luc Marion to describe a love of letting be. A love of letting be focuses on the lived experience of love as a phenomenology. In a love of letting be it is the intent of both lovers to regard each other as an unknowable whole, whom they must support and whose mystery they must protect. The transformations of four characters from Allen’s cinema, Allan Felix of Play it Again, Sam, Alvy Singer of Annie Hall, Cecilia of The Purple Rose of Cairo, and Mickey Sachs of Hannah and her Sisters serve as illustrations of how coming to a love of letting be is possible. The four characters, the nervous romantics, come to understand a love of letting be through their experience in the cinema. Their experience in the cinema comes to enlighten their understanding and living of love as a love of letting be.

Funny feelings: taking love to the cinema with Woody Allen

This dissertation utilizes the films of Woody Allen in order to position the cinema as a site where realizing and practicing an embodied experience of love is possible. This dissertation challenges pessimistic readings of Woody Allen’s film that render love difficult, if not impossible. By challenging assumptions about love, this dissertation opens a dialogue not only about the representation of love, but the understanding of love. Rather than a Platonic love of unity, this dissertation combines the phenomenological work of Luce Irigaray and Jean-Luc Marion to describe a love of letting be. A love of letting be focuses on the lived experience of love as a phenomenology. In a love of letting be it is the intent of both lovers to regard each other as an unknowable whole, whom they must support and whose mystery they must protect. The transformations of four characters from Allen’s cinema, Allan Felix of Play it Again, Sam, Alvy Singer of Annie Hall, Cecilia of The Purple Rose of Cairo, and Mickey Sachs of Hannah and her Sisters serve as illustrations of how coming to a love of letting be is possible. The four characters, the nervous romantics, come to understand a love of letting be through their experience in the cinema. Their experience in the cinema comes to enlighten their understanding and living of love as a love of letting be.

Imagining Ithaca

‘Though home is a name, a word, it is a strong one’, said Charles Dickens, ‘stronger than magician ever spoke, or spirit answered to, in strongest conjuration.’ The ancient Greek word nostos, meaning homecoming or return, has a commensurate power and mystique. Irish philosopher-poet John Moriarty described it as ‘a teeming word … a haunted word … a word to conjure with’. The most celebrated and culturally enduring nostos is that of Homer’s Odysseus who spent ten years returning home after the fall of Troy. His journey back involved many obstacles, temptations, and fantastical adventures and even a katabasis, a rare descent by the living into the realm of the dead. All the while he was sustained and propelled by his memories of Ithaca (‘His native home deep imag’d in his soul’, as Pope’s translation has it). From Virgil’s Aeneid to James Joyce’s Ulysses, from MGM’s The Wizard of Oz to the Coen Brothers’ O Brother, Where Art Thou?, and from Derek Walcott’s Omeros to Margaret Atwood’s Penelopiad, the Odyssean paradigm of nostos and nostalgia has been continually summoned and reimagined by writers and filmmakers. At the same time, ‘Ithaca’ has proved to be an evocative and versatile abstraction. It is as much about possibility as it is about the past; it is a vision of Arcadia or a haunting, an object of longing, a repository of memory, ‘a sleep and a forgetting’. In essence it is about seeking what is absent. Imagining Ithaca explores the idea of nostos, and its attendant pain (algos), in an excitingly eclectic range of sources: from Rebecca West’s The Return of the Soldier and Remarque’s All Quiet on the Western Front, through the exilic memoirs of Nabokov and the time-travelling fantasies of Woody Allen, to Seamus Heaney’s Virgilian descent into the London Underground and Michael Portillo’s Telemachan railway journey to Salamanca. This kaleidoscopic exploration spans the end of the Great War, when the world at large was experiencing the complexities of homecoming, to the era of Brexit and COVID-19 which has put the notion of nostalgia firmly under the microscope.